OPOELITERARIA. COMENTARIO POÉTICO 23. LAS TRISTES DE FAETÓN BELLAS HERMANAS, DE LEONARDO LUPERCIO DE ARGENSOLA.

Nos encontramos ante un soneto de arte mayor compuesto por catorce versos endecasílabos con rima consonante, que responde al esquema métrico clásico ABBA ABBA CDC DCD. Por sus características formales, temáticas y estilísticas, la composición se inscribe dentro del Barroco español, etapa literaria del siglo XVII caracterizada por una visión desengañada de la realidad, el gusto por la complejidad formal y el empleo de referencias cultas, especialmente de carácter mitológico, con finalidad moralizante. El poema pertenece a Leonardo Lupercio de Argensola, autor vinculado a la poesía moral y reflexiva de su tiempo, cuya obra se caracteriza por el uso de exempla clásicos para transmitir enseñanzas universales.

El yo poético presenta, en primer lugar, a las hermanas de Faetón llorando la muerte de su hermano tras su temeraria acción de conducir el carro del Sol, lo que provocó su caída y castigo. A continuación, estas reflexionan sobre la osadía del joven y justifican el castigo como un ejemplo moral que debe servir de escarmiento. Finalmente, el yo poético introduce su propia experiencia y reconoce que, pese a este ejemplo, no logra contener su propio atrevimiento, aspirando a alcanzar la gloria en vida o la fama tras la muerte.

El tema de la composición es la inevitabilidad de la ambición humana frente a los límites impuestos por la razón, aun cuando se conocen las consecuencias trágicas de la desmesura. Esta idea articula todo el poema, ya que el mito no se presenta únicamente como relato, sino como espejo en el que el yo poético se reconoce, incapaz de renunciar a ese impulso de grandeza que conduce, potencialmente, a la caída.

La estructura interna del poema refuerza de manera clara este tema. 

• En el primer cuarteto, el yo poético presenta el lamento de las hermanas de Faetón, introduciendo el marco narrativo y el tono elegíaco. 
• En el segundo cuarteto y el primer terceto se produce un cambio significativo, ya que se incorpora la voz de las hermanas mediante estilo directo, lo que intensifica el carácter dramático del poema; en esta intervención, explican la acción de Faetón, califican su osadía como digna de castigo y asumen su propio destino como ejemplo moral. 
• Finalmente, en el segundo terceto, se recupera la voz del yo poético, quien establece una identificación con el mito y reconoce su incapacidad para refrenar su propio atrevimiento. Esta disposición estructural, basada en la alternancia de voces, permite pasar del relato ejemplar a la experiencia personal, reforzando así la universalidad del tema.

En cuanto a las funciones del lenguaje, predomina la función poética, evidente en la cuidada elaboración formal, el uso del hipérbaton y el léxico culto, que contribuyen a intensificar la dimensión estética del mensaje. La función referencial aparece en la narración del mito, proporcionando el contenido base sobre el que se construye la reflexión. La función expresiva se manifiesta especialmente en los tercetos, donde el yo poético expresa su conflicto interno mediante el uso de la primera persona. Por último, la función apelativa se aprecia en el apóstrofe dirigido al “loco hermano”, que intensifica el tono dramático. Todas estas funciones se articulan en torno al tema de la ambición y sus consecuencias.

Siguiendo el modelo de análisis propuesto por Marcos Marín y las aportaciones de Isabel Paraíso y Leonardo Gómez Torrego, se puede abordar el comentario por planos. 

En el plano fónico, y siguiendo las propuestas de Dámaso Alonso en La lengua poética de Luis de Góngora, se puede apreciar una significativa interacción entre vocales luminosas y oscuras que contribuyen a reforzar el tema de la composición. Por un lado, encontramos la presencia de vocales abiertas /a/ y /e/, consideradas luminosas, en términos como “hermanas”, “lloraban”, “pena” o “gloria”, que evocan cierta armonía y elevación, especialmente en relación con el ideal de fama que persigue el yo poético. Sin embargo, frente a esta luminosidad, adquiere mayor peso la presencia de vocales cerradas /o/ y /u/, de carácter más oscuro, en palabras como “loco”, “dolor” (implícito en el campo semántico), “osadía”, “carro” o “muerte”, que proyectan una tonalidad grave y sombría. Esta oposición vocálica no es casual, sino que refleja la tensión central del poema entre la aspiración a la gloria y las consecuencias trágicas de la desmesura, reforzando así el tema.

En cuanto al consonantismo, destaca la reiteración del fonema /n/ (nasal, alveolar, sonora), especialmente en posición implosiva, en palabras como “hermanas”, “lloraban”, “vanas” o “hermano”, lo que intensifica el tono elegíaco del lamento y subraya momentos de especial carga emocional. Asimismo, la presencia de la vibrante múltiple /r/ (alveolar, sonora), en términos como “regir”, “carro”, “hermano” o “reparte”, introduce una sonoridad más áspera y enérgica, asociada a la fuerza del impulso y al atrevimiento de Faetón, en relación directa con el tema de la ambición desmedida.

Desde el punto de vista métrico, el poema responde a la estructura del soneto clásico, con versos endecasílabos de arte mayor y rima consonante. En cuanto al ritmo, predominan endecasílabos de tipo heroico —con acento en sexta y décima sílaba— como en “Regir quisiste, oh loco hermano mío”, donde el acento refuerza la intensidad del reproche, y melódico —con acento en tercera y sexta— como en “lloraban de su hermano el desvarío”, que aporta una cadencia más fluida y elegíaca. Esta combinación rítmica contribuye a la solemnidad del poema, en consonancia con su contenido moral. Sin embargo, resulta especialmente significativo el empleo del endecasílabo enfático en el verso 13, “yo, triste, refrenar mi atrevimiento”, en el que se aprecia, además, un fenómeno de anacruxis, es decir, la presencia de sílabas átonas iniciales previas al primer acento rítmico fuerte. Este tipo de verso se caracteriza por llevar el acento principal en la primera sílaba, lo que le confiere una intensidad expresiva superior al resto de variantes del endecasílabo. En este caso, el verso se articula rítmicamente destacando desde su inicio el pronombre “yo”, que introduce de manera abrupta la presencia del sujeto lírico. La anacruxis contribuye a retrasar levemente el golpe rítmico, generando una sensación de arranque contenido que culmina en la palabra clave “atrevimiento”, situada en posición final y, por tanto, de máximo relieve semántico. Así, tanto el carácter enfático del verso como la presencia de la anacruxis contribuyen a destacar este momento como núcleo emocional y temático del poema, en plena coherencia con la idea central de la inevitabilidad del atrevimiento humano pese al conocimiento de sus consecuencias.

Este esquema acentual no es casual, ya que refuerza la dimensión expresiva del verso: el yo poético irrumpe con fuerza para reconocerse en el conflicto central del poema. Frente al desarrollo narrativo anterior, este endecasílabo enfático marca un punto de inflexión, intensificando la confesión personal y subrayando la imposibilidad de reprimir la ambición.El ritmo general del texto es pausado y reflexivo, favorecido por la presencia de encabalgamientos suaves, como el que se produce entre “Decía cada cual con fuerzas vanas: / «Regir quisiste…”, que permite una continuidad discursiva sin rupturas bruscas, acorde con el tono meditativo. Asimismo, no se observa una acumulación de conjunciones, lo que evita la pesadez sintáctica y mantiene la fluidez del discurso.

Finalmente, la modalidad oracional predominante es la enunciativa, como se aprecia en “Las tristes de Faetón bellas hermanas… lloraban…”, que introduce el relato de forma objetiva. Sin embargo, esta se ve intensificada por la presencia de elementos exclamativos y apelativos en el estilo directo, como “¡oh loco hermano mío!”, donde la carga emotiva se hace explícita. Esta alternancia contribuye a reforzar el dramatismo del poema y, en última instancia, subraya el conflicto central entre la razón y la ambición que define el tema de la composición.

En el plano morfosintáctico, conviene comenzar por la morfología nominal, donde adquiere especial relevancia la presencia del antropónimo Faetón, eje referencial del poema y símbolo de la desmesura o hybris. Este nombre propio no solo identifica al personaje mitológico, sino que actúa como núcleo semántico que proyecta el tema de la ambición humana y sus consecuencias. Junto a él, encontramos un predominio de sustantivos que pueden clasificarse en concretos, como “hermanas”, “río” o “árboles”, que sitúan el marco narrativo del mito, y abstractos, como “desvarío”, “osadía”, “pena”, “escarmiento”, “atrevimiento”, “gloria” o “fama”. Estos últimos son especialmente significativos, ya que trasladan el poema desde el plano anecdótico hacia una reflexión universal, directamente vinculada con el tema de la inevitabilidad de la ambición humana.

En cuanto a la morfología verbal, se aprecia una clara alternancia funcional. En la primera parte del poema predominan las formas en tercera persona (“lloraban”, “decía”, “fue”), que refuerzan la dimensión narrativa y la función referencial al presentar el mito de manera objetiva. Sin embargo, en el último terceto irrumpen formas en primera persona (“pretendía”, “busca”), que introducen la subjetividad del yo poético. Este cambio verbal resulta clave, ya que marca el paso del exemplum mitológico a la experiencia personal, reforzando así el tema central: el yo poético, como Faetón, es incapaz de reprimir su ambición.

La morfología adjetival presenta una adjetivación significativa aunque no excesiva, con ejemplos como “tristes”, “bellas”, “loco”, “soberanas” o “vanas”. Estos adjetivos no solo aportan valor estético, sino que introducen una clara valoración moral: “loco” y “vanas” inciden en la crítica de la desmesura, mientras que “tristes” refuerza el tono elegíaco. De este modo, la adjetivación contribuye directamente a la construcción del tema.

Por su parte, la morfología adverbial es escasa, lo que indica una limitada presencia de elementos circunstanciales. Esta ausencia refuerza el carácter atemporal y universal del poema, ya que el interés no reside en situar la acción, sino en reflexionar sobre una conducta humana constante: la ambición.

Desde el punto de vista sintáctico, el poema se organiza en tres grandes periodos oracionales, cuya complejidad responde al estilo culto barroco y se vincula estrechamente con el desarrollo del tema. El primer periodo oracional, correspondiente al primer cuarteto, está constituido por una oración compleja cuyo sujeto es “Las tristes de Faetón bellas hermanas”, dentro del cual se inserta una oración de relativo (“sentadas a la orilla del gran río”), que añade información descriptiva y sitúa el lamento en un espacio simbólico de quietud y dolor. En el predicado (“lloraban de su hermano el desvarío”), aparece además una construcción temporal (“al convertirse en árboles cercanas”), que introduce la transformación mítica como consecuencia del dolor, reforzando la idea de castigo ligada al tema de la desmesura.

El segundo periodo oracional, que abarca el segundo cuarteto y el primer terceto, presenta una estructura especialmente compleja, ya que incluye una proposición subordinada sustantiva de complemento directo en estilo directo, que recoge la voz de las hermanas. Dentro de este discurso directo se distinguen dos subperiodos: en el primero aparece una subordinada sustantiva de complemento directo (“quisiste regir el carro…”), donde se explicita la acción temeraria de Faetón, núcleo del conflicto. En el segundo subperiodo encontramos dos oraciones coordinadas copulativas (“Fue digna de tal pena tu osadía; y porque sea común el escarmiento, sin culpa le imitamos en la suerte”), dentro de las cuales se inserta una construcción causal (“porque sea común el escarmiento”), que justifica el castigo como ejemplar. Esta estructura sintáctica refuerza el valor moral del mito, directamente relacionado con el tema.

Finalmente, el tercer periodo oracional, correspondiente al último terceto, recoge la voz del yo poético mediante otra proposición subordinada sustantiva de complemento directo (“pretendía yo… refrenar mi atrevimiento”), que expresa su intento fallido de contener la ambición. La oración subordinada final (“que busca en vida gloria, o fama en muerte”) introduce el núcleo temático del poema, donde la aspiración a la gloria se presenta como impulso irrefrenable.

La complejidad sintáctica, con predominio de estructuras subordinadas —es decir, una organización claramente hipotáctica—, no solo responde al estilo barroco, sino que permite articular el paso del relato mitológico a la reflexión personal, reforzando así el tema central de la imposibilidad de reprimir el deseo de grandeza pese al conocimiento de sus consecuencias.

En el plano léxico-semántico, en primer lugar, es preciso señalar que nos encontramos ante un léxico de nivel culto, propio de la poesía barroca, en el que predominan los términos abstractos y las referencias de carácter mitológico. Este nivel léxico elevado no solo responde a una finalidad estética, sino que contribuye a dotar al poema de una dimensión reflexiva y universal, plenamente coherente con el tema de la ambición humana y sus consecuencias.

Siguiendo el modelo de Isabel Paraíso, la palabra clave de la composición es “atrevimiento”, ya que en ella se condensa el núcleo temático del poema: la inclinación del ser humano a sobrepasar los límites impuestos por la razón en busca de la gloria. Esta palabra aparece en el último terceto, en un lugar estructuralmente relevante, lo que refuerza su valor como síntesis del sentido global del texto.

En torno a esta palabra clave se articulan diversas palabras testigo, entre las que destacan “desvarío”, “osadía”, “escarmiento”, “gloria” y “fama”. “Desvarío” y “osadía” remiten directamente a la acción de Faetón, caracterizada como una locura o exceso; “escarmiento” introduce la dimensión moral del castigo ejemplar; mientras que “gloria” y “fama” proyectan la aspiración última del yo poético, vinculada al deseo de trascendencia. Todas estas palabras se relacionan de manera directa con el tema, ya que configuran un recorrido semántico que va desde la acción desmedida hasta sus consecuencias y su motivación última.

A partir de estos elementos léxicos, se pueden establecer varios campos semánticos. En primer lugar, el campo de la desmesura o ambición, formado por términos como “atrevimiento”, “osadía” y “desvarío”. En segundo lugar, el campo del castigo o dolor, en el que se integran “pena”, “lloraban” y “escarmiento”. Por último, el campo de la trascendencia o reconocimiento, representado por “gloria” y “fama”. Estos campos semánticos se organizan en una clara progresión que refleja el desarrollo del tema: de la ambición inicial se pasa al castigo y, finalmente, a la aspiración de permanencia.

Asimismo, estos campos configuran distintas isotopías textuales que recorren el poema. Por un lado, una isotopía de carácter trágico, vinculada al dolor y al castigo, presente en el lamento de las hermanas y en la transformación en árboles. Por otro, una isotopía de la ambición, centrada en la acción de Faetón y en el “atrevimiento” del yo poético. Finalmente, una isotopía de la trascendencia, que se manifiesta en la oposición entre “gloria” y “fama”. Todas ellas convergen en la construcción del tema, mostrando la tensión entre el impulso de superación y sus consecuencias.

En cuanto a las figuras de pensamiento, destaca en primer lugar la antítesis “gloria en vida / fama en muerte”, que sintetiza de forma magistral el conflicto central del poema, al presentar dos posibles vías de realización del deseo de trascendencia. También es relevante el uso del mito de Faetón como exemplum, recurso característico de la poesía moral barroca, mediante el cual se ofrece un modelo de conducta que sirve de advertencia. Asimismo, puede señalarse la presencia de metáforas, como la del “carro” que “reparte el invierno y el estío”, que simboliza el orden cósmico alterado por la acción de Faetón, reforzando la idea de transgresión de los límites. El apóstrofe “oh loco hermano mío” introduce una dimensión dramática que intensifica la valoración negativa de la osadía.

Por último, en relación con los tópicos literarios, el poema se vincula con el motivo de la hybris, es decir, la desmesura o soberbia humana castigada por los dioses, de raíz clásica y muy presente en la tradición literaria. Este tópico se adapta aquí a la sensibilidad barroca, donde no solo se presenta como advertencia moral, sino también como una inclinación inevitable del ser humano, tal como evidencia el yo poético en su reflexión final.

De este modo, todo el plano léxico-semántico se organiza en torno al tema central de la composición, mostrando cómo el lenguaje no solo construye el significado del poema, sino que también refleja la complejidad del conflicto entre la ambición y sus consecuencias.La intertextualidad se manifiesta en la utilización del mito de Faetón, recurrente en la literatura áurea como símbolo de la hybris o desmesura humana. Este motivo conecta con otras composiciones barrocas que reflexionan sobre los límites del ser humano y la vanidad de sus aspiraciones, como ocurre en la poesía moral de Francisco de Quevedo, donde también se plantea la tensión entre ambición y conciencia de la propia fragilidad.

En conclusión, este soneto de Leonardo Lupercio de Argensola constituye una reflexión profundamente barroca sobre la ambición humana, construida a partir de un referente mitológico que se transforma en experiencia personal. La coherencia entre estructura, recursos formales y contenido temático permite al poeta desarrollar una idea central que atraviesa todos los niveles del texto: la imposibilidad de renunciar al deseo de grandeza, incluso cuando se conocen sus consecuencias. De este modo, el poema no solo advierte sobre los peligros de la desmesura, sino que revela una verdad esencial sobre la condición humana: que el impulso de alcanzar la gloria puede ser tan poderoso como la certeza de la caída.